A Real Pain

El mundo del cine comercial, especialmente el de Hollywood, está marcado, sobre todo, por criterios de rentabilidad (política aparte), por tanto, muchas ideas brillantes quedan automáticamente relegadas o abandonadas en cajones porque alguien con poder, decide que “eso” no tendría cabida en la taquilla mundial y que, por tanto, reportaría pocos beneficios.

 

Por suerte, hay varios circuitos alternativos en el mundo del cine, con mucha menos repercusión, pero con grandes títulos. Os hablamos, por ejemplo, de lo que conocemos como “cine independente” con un festival que aúna anualmente las mejores producciones de este circuito, el de Sundance.

 

Pero ¿qué es el “cine independiente”? El “cine comercial” es aquel cine que aborda, sin demasiados recursos, temas íntimos, sociales o existenciales que dan voz a personas o pensamientos que están fuera del mundo de Hollywood (minorías, mujeres, directores jóvenes, etc.).

 

A finales de 2024, comienzos de 2025 en algunos países, se ha estrenado una película englobada dentro de esta etiqueta, la segunda película como director del neoyorquino Jesse Eisenberg, “A Real Pain”, una película que, con un toque de humor encara temas como la memoria histórica, el turismo, el dolor, etc.

 

Sí, hoy en esta entrada os queremos hablar de “A Real Pain” una película estrenada en el Festival de Sundance de 2024 que ha recibido además premios en los grandes certámenes, sobre todo, en su aparatado interpretativo.

 

“A Real Pain” empieza presentándonos a David Kaplan (interpretado por Jesse Eisenberg), un joven judío que se dirige en taxi al aeropuerto e intenta localizar sin éxito a Benji (a quien da vida Kieran Culkin), su primo. Ambos se encuentran en aeropuerto de Nueva York, momentos antes de emprender un viaje a Polonia, aunque muy pronto nos dejan claras las principales diferencias entre ambos, mientras David es un entregado padre de familia, Benji es lo que todos conocemos como un auténtico espíritu libre.

 

El objetivo final del viaje es reencontrarse con sus orígenes visitando la casa de la infancia de su difunta abuela. Para ello, a su llegada a Polonia, los primos se integran en un pequeño grupo turístico que hará una ruta por el país. Desde ya las primeras visitas, la dinámica de David y Benji se ponen a prueba, tanto a ellos mismos como al propio grupo ya que, por ejemplo, tras una discusión en el tren, los Kaplan se pierden la parada y todo el grupo debe esperarles en otra estación.

 

Tampoco el carácter de Benji resulta fácil ni cómodo de llevar ya que, en todo momento cuestiona el enfoque del tour, su falta de autenticidad emocional, el exceso de datos estadísticos o incluso la frivolización turística sembrando por momentos el caos en el grupo y la vergüenza de David, aunque casi siempre Benji acaba conectando con el grupo por su tremenda honestidad emocional.

David y Benji de turismo por Polonia

 

Durante una cena, Benji explota haciendo comentarios incómodos sobre el viaje, la situación y la historia. Al final, acaba saliendo la mezcla de admiración, envidia y resentimiento que siente hacia David. Todo acentuado, sobre todo, los últimos tiempos, desde su intento de suicidio.

 

El penúltimo día del viaje, el grupo visita el Campo de concentración de Majdanek donde todos quedan impactados, tanto que el propio guía, le agradece a Benji su sincericidio al criticar el tour. Ya en solitario, los primos van a ver la antigua casa de su abuela sacando un incidente del pasado entre Benji y la abuela, lamentando con él que ella fuera la única persona capaz de controlarle.

 

Tras esto, ya solo queda una dura confesión por parte de David y la vuelta a Nueva York, aunque eso, evidentemente nos lo quedaremos para nosotros.

 

De “A Real Pain” nos ha gustado que sea un claro ejemplo de cómo el cine independiente ya que, no solo se permite una forma diferente de contar una historia si no que la junta con la mirada hacia dentro, una mirada de esas que duelen.

 

Técnicamente nos gustaría resaltar el hecho de que Eisenberg ha conseguido darle a “A Real Pain” una identidad propia a una historia íntima donde los protagonistas no son superhéroes, sino que son dos personas frágiles plagadas de heridas invisibles sin olvidar, eso sí, la belleza.

 

No os vamos a engañar, “A Real Pain” transpira verdad, desde las relaciones entre los primos hasta ese turismo del dolor que visita campos de concentración. Todo se vive y respira de forma sincera, sin filtros. A veces incómodo, pero ideal para pensar.

 

Si en una cosa destaca “A Real Pain” es en las interpretaciones de sus protagonistas, Culkin y Eisenberg quienes aportan no solo autenticidad si no también profundidad a una historia que aborda el dolor heredado y la búsqueda de la propia identidad desde el humor.

 

La química entre ambos es realmente espectacular, digna de mención, consiguiendo dar valor a las contrastadas personalidades de sus personajes si olvidar en ningún momento la exploración del trauma generacional que sufre su familia.

 

Seguramente “A Real Pain” tendrá tanto éxito en los certámenes como poca recaudación en taquilla, algo desgraciadamente habitual en el cine independiente.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “A Real Pain” es de un 7.5 sobre 10.

 

 

Título original: “A Real Pain” – 2024 – USA

Dirigida por: Jesse Eisenberg

Duración: 82 minutos

Género: Drama,

 

 

 

El baile de los 41

La represión social en el cine es un tema que ha sido explorado por distintas producciones y en diferentes épocas, géneros e incluso, contextos culturales. Por desgracia, ha habido muchos ejemplos y muchos casos en los que la propia sociedad o el Estado han ejercido discriminación o violencia hacia ciertos grupos o personas por considerarlos “otros” o “diferentes” por su orientación sexual, género, raza o ideología.

 

Muchas películas han utilizado el cine como herramienta de denuncia retratando la represión social, la lucha por superarla con el fin, sobre todo, de visualizar una situación injusta. Por ejemplo podemos encontrar “Milk” con la lucha del primer políticos abiertamente gay en EE.UU. o “Roma” con su lucha de clases y represión política.

 

En esta entrada, os queremos recomendar una película tan desconocida por gran parte de la sociedad como el propio hecho que denuncia, os hablamos de la película mexicana de 2020 dirigida por David Pablos que lleva por título: “El baile de los 41”.

 

Para aquellos que no lo sepan, “El baile de los 41” no tiene nada que ver con la celebración de una aniversario, “El baile de los 41” es el nombre con el que fue bautizado el escándalo social sucedido en el México de comienzos del siglo XX, cuando una redada policial detuvo a 41 hombres, homosexuales, durante una fiesta privada.

 

“El baile de los 41” empieza desplazándonos a Ciudad de México, a finales del pasado siglo XIX, donde nos encontramos con Ignacio de la Torre (interpretado por Alfonso Herrera), diputado al congreso en vísperas de casarse con Amada Díaz (a quien da vida Mabel Cadena), la hija del presidente de México Porfirio Díaz.

 

Ignacio y Amada contraen matrimonio, pero pronto nos damos cuenta de que algo no funciona entre la pareja ya que, aunque Amanda está completamente enamorada de él, Ignacio parece ausente y muy distante cuando está con ella y más en la cama donde, como se dice vulgarmente, el hombre no funciona, y cuando lo hace continua totalmente ausente.

 

Un día, en los pasillos del congreso, Ignacio se cruza con un hombre con quien, sin pensarlo mucho, entabla conversación, es Evaristo Ribas (Emiliano Zurita) un joven con el quien, sin pretenderlo prende no solo una amistad si no también un enamoramiento.

 

Muchas noches, Ignacio o no vuelve a su casa marital o vuelve muy tarde, dejando a solas a su esposa quien, poco a poco se va comiendo la cabeza pensado que su esposo tiene una aventura, lo cual no se aleja mucho de la realidad ya que, muchas noches las pasa con Evaristo y otras en una casa donde, regularmente se junta un grupo de homosexuales para conversar, bailar y, de vez en cuando, tener sexo.

 

Paralelo a todo esto, Ignacio se quiere postular a Senador, manteniendo eso sí el soporte a su suegro, aunque este empieza a sospechar del matrimonio tan idílico que tienen su yerno y su hija.

 

A finales de 1901, durante una acción ilegal de la policía, estos entran en la casa donde se celebran los encuentros homosexuales y detienen a los 42 participantes en la misma. Con todo, y antes de que la noticia vea la luz, uno de ellos se cae de la lista, Ignacio, y todo, para evitar el escándalo que supondría para la familia del presidente Porfirio Díaz.  

 

Ignacio y Evaristo en "El baile de los 41"

A partir de aquí la historia se acerca a su desenlace contándonos el hundimiento mental de Ignacio al ver que sus amigos han sido detenidos y las torturas a las que estos han sido sometidos, pero eso, nos lo guardaremos celosamente de la misma manera que la historia ha arrinconado los hechos reales de “El baile de los 41”.

 

Técnicamente os diremos que “El baile de los 41” es una película artísticamente muy bella con una ambientación cuidada y reproducida al detalle tanto en lo referente al vestuario como reforzando el contraste entre lo público y lo privado, lo permitido y lo prohibido. Todo ello usando una paleta cromática llena de tonos íntimos.

 

Argumentalmente os diremos que “El baile de los 41” dispone de un guion que, basándose en hechos históricos reales consigue una mezcla casi perfecta entre realidad y dramatización dando especial importancia a temas como el poder, la doble moral y la identidad sexual.

 

Desde el punto de vista interpretativo, creemos muy importante remarcar el trabajo de Alfonso Herrera quien se entrega por completo a su complejo Ignacio de la Torre, transmitiendo sutileza, deseo, miedo y frustración, muy buen trabajo. También nos ha gustado mucho Emiliano Zurita dando vida a su Evaristo Rivas, un hombre sensible, idealista y fresco que, además, mantiene una gran química con Alfonso. Por tanto, genial su trabajo, solvente emocional y artísticamente.

 

"El baile de los 41" no solo revive un escándalo olvidado. Le da voz a quienes la historia quiso borrar. Y nos recuerda que aún hoy, amar libremente sigue siendo un acto revolucionario.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El baile de los 41” es de un 7 sobre 10.

 

 

Título original: “El baile de los 41” – México – 2020

Dirigida por: David Pablos

Duración: 93 minutos

Género: Drama, LGTBI 

 

La sustancia

Vivimos en una época en la que el consumo ha dejado de representar una necesitad para convertirse de forma desmesurada en una seña de identidad. En la sociedad que estamos construyendo entre todos, parece cada día más importante el poder de la imagen sobre lo que realmente se es, para comprobarlo solo es necesario echar un viste a las redes sociales o a los programas de televisión: valemos en medida de lo que somos visibles y deseables.

 

Con todo, ¿hasta que punto estamos dispuestos a ser visibles y deseables? Si lo pensáis bien, la presión para ser guapos y atractivos es constante, parece que la superficialidad tiene más valor que la inteligencia y eso, genera además de ansiedad, una gran desconexión emocional.

 

Hoy en este rincón os queremos hablar de una película de 2024 que aborda, con crudeza, esta situación, exponiendo una realidad pasmosa, la de una sociedad, la nuestra, que ha convertido la imagen en una marca de identidad y el consumo desmesurado en una creencia. Todo esto lo hace mediante un relato de ciencia ficción que, por su contenido, nos ha parecido dura y dolorosamente cercano. Os estamos hablando de “La sustancia”.

 

“La sustancia” empieza presentándonos a Elisabeth Sparkle (interpretada por Demi Moore), una mujer que, en su momento tuvo su éxito en el cine (con estrella en el Hollywood Boulevard incluida) aunque en la actualidad tiene un programa de ejercicios aeróbicos en televisión.

 

El día de su cincuenta aniversario Elisabeth recibe de su productor un curioso regalo, es despedida fulminantemente por su “avanzada edad”. Trastornada, mientras vuelve a casa sufre un aparatoso accidente de tráfico que, aún sin consecuencias para su salud, la lleva directamente al hospital donde se cruza con un enfermero quien al despedirse le da un pendrive con un nombre grabado, “La sustancia”.

 

Aunque de entrada no le hace mucha gracia, lo pone en el televisor y ve lo que es, la propuesta de un suero que le generará una versión más avanzada de ella misma, más joven, más guapa y más “perfecta”. Aunque de entrada descarta la opción, tras pensarlo y ver como su imagen es eliminada de su mundo (televisión, carteles, etc.) acaba pidiendo “La Sustancia”.

 

Al revés de lo que pasaría con algo oficial Elisabeth tiene que ir a buscarla en un polígono industrial medio abandonado donde encuentra un kit y una escuetas instrucciones, tiene un activador, comida en inyectable y las herramientas necesarias para extraer e inyectarse las dosis de estabilizador.   

 

Al ponerse el activador, empieza una extraña reacción en su cuerpo, con convulsiones que acaban desembocando en la aparición a través de su espalda de un nuevo cuerpo, una mujer joven, su versión mejorada, Sue (interpretada por Margaret Qualley).

 

Las instrucciones son claras, los dos cuerpos son uno, y cada siete días, sin excepción, deben transferirse la conciencia dejando al otro cuerpo inconsciente. Durante su inconsciencia, Elisabeth genera el liquido estabilizador que Sue se quita mediante punción lumbar y se inyecta diariamente.

 

Al poco de aparecer Sue en el mundo, se presenta al casting para el nuevo programa de aerobic y es automáticamente contratada llegando en un santiamén al estrellato y a la fama gracias a su cuerpo y sus movimientos.

 

Dos vidas y dos formas de vivir totalmente diferentes ya que, mientras la consciente es Elisabeth esta vive recluida en su casa, pero cuando la consciente es Sue, esta disfruta de una vida a todo lujo, confiada y creída.

Sue extrayendo estabilizador del cuerpo de Elisabeth

 

Una semana, tras una noche de excesos Sue extrae una dosis adicional de líquido estabilizador, lo cual tiene como consecuencia que Elisabeth despierta con un dedo necrosado, envejecido.

 

A partir de este momento, aunque sean dos cuerpos con una misma conciencia, Sue y Elisabeth inician una sensación de desprecio mutuo por los celos que siente Elisabeth por su imagen mejorada y Sue cada vez necesita más tiempo consciente para crecer y crecer. Al final, a ambas mujeres su desprecio las lleva a un camino sin retorno ya que, Sue se niega a volver a intercambiar el cuerpo y le roba todo el líquido estabilizador que puede.

 

Tras tres meses con Elisabeth inconsciente, el líquido estabilizador se acaba y Sue debe transferirse a lo que queda de Elisabeth, una deforme y jorobada anciana quien pide a la organización el remedio para acabar con el experimento aunque finalmente no se atreve provocando que ambas mujeres queden conscientes a la vez, lo que provoca que Sue mate a su matriz.

 

Sin Elisabeth, la vida de Sue no tiene sentido, aunque el desenlace, nos lo guardaremos celosamente.

 

No os engañaremos, cuando se estrenó “La sustancia” los miembros de este equipo no teníamos claro que quisiéramos verla ya que intuíamos que la película derraparía rápidamente al gore, lo cual, por suerte para en muy pocos momentos de su metraje.

 

Por el contrario, os diremos que “La sustancia” nos ha enganchado con su narrativa totalmente envolvente y cargada de simbolismos, poniendo en todo momento en primer plano las consecuencias de haber creado una sociedad que ha perdido todo contacto con lo esencial: la vida humana, su estabilidad emocional y la propia responsabilidad colectiva.

 

“La sustancia”, mediante esa pócima misteriosa y original nos expone con total crudeza los vacíos existenciales que deja en las personas un sistema basado en la imagen y el consumo.

 

Desde sus primeras imágenes, “La sustancia” se muestra como una película que busca incomodar al espectador, tanto emocional como visualmente y lo hace con un lenguaje cargado de símbolos y atmósferas densas para mostrarnos una realidad totalmente inestable.

 

Nos ha sorprendido también el montaje de “La sustancia” con una sucesión de pequeños saltos en el tiempo para mostrarnos, sin muchos tapujos, el estado mental de sus protagonistas, desorientadas por los propios efectos de la sustancia y de una sociedad que valora lo que valora.

 

Interpretativamente hablando os diremos que “La sustancia” tiene, como uno de sus pilares fundamentales el trabajo de sus dos actrices principales, Demi Moore y Margaret Qualley. La primera nos presenta una mujer que ve como su mundo de diluye de la noche a la mañana y, en pro de mantener lo que tiene, acaba diluyendo su estabilidad emocional en medio de un rápido deterioro físico. Qualley, en su papel nos muestra el camino contrario, con el mismo resultado mental, la destrucción emocional de si misma. Ambas, brillantes dotando de una humanidad un relato que nos habla justamente de lo contrario.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “La sustancia” es de un merecido 8 sobre 10.

 

 

 

Título original: “The substance” – Reino Unido – 2024

Dirigida por: Coralie Fargeat

Duración: 140 minutos

Género: Terror, Thriller, Ficción

 

 

 

  

Cobra Kai - Temporada 6

Hay series que, por los motivos que sean, tienen un desarrollo comercial de lo más curioso. Una de las últimas en que lo hemos visto, ha sido la secuela de la saga de películas de los 80 del pasado siglo, “Karate Kid”, os hablamos de “Cobra Kai”.  “Cobra Kai” estrenó su primera temporada en 2018 en la plataforma “Youtube Red” con cierto éxito, la serie retomaba la historia de Daniel LaRusso y Johnny Lawrence, 33 años después de la célebre victoria de Daniel en el torneo de Karate de “All Valley” de 1984.

 

En 2020, el gigante Netflix se hizo con los derechos de “Cobra Kai” y durante dos años estrenó, con éxito tres temporadas de esta en la que nos narraba tanto la historia de encuentros y desencuentros de Lawrence y LaRusso como sus andanzas con los alumnos de sus respectivos Dojos.

 

En 2023, Netflix anunció la temporada final de “Cobra Kai” aunque, a causa de la huelga de guionistas de Estados Unidos esta temporada final, la sexta, se ha estrenad en tres partes de cinco capítulos cada una, en julio y noviembre del 24 y en febrero del 25.

 

La sexta temporada de “Cobra Kai” empieza justo donde acabó la quinta, con Lawrence (William Zabka) y LaRusso (Ralph Macchio) entrenando conjuntamente en el “Miyagi Do” tras la unificación de los dojos de ambos con el objetivo de conseguir un equipo equilibrado que pueda luchar en el “Sekai Taikai”, el campeonato mundial de Karate que se va a llevar a cabo en Barcelona.

 

Mientras esto ocurre, LaRusso descubre algunas cosas de su maestro, el Sr. Miyagi que le llevan a replantearse su filosofía haciendo que, por momentos se olvide de sus propios alumnos.

 

Después de una varias pruebas de selección, los seis integrantes del equipo del Miyagi Do para el Sekai Taikai son Sam, Tory, Miguel, Robby, Demetri y Devon, aunque en la lucha final por determinar los capitanes, Tory muy agresiva por la muerte de su madre, abandona el equipo dejando su puesto en el equipo a Hawk quedando de capitanes Robby y Sam.

 

Ya en Barcelona, la historia se complica cuando el equipo del Miyagi Do descubre al resto de equipos, entre los que destacan, por un lado y por su agresividad, los “Iron Dragons” del sensei Wolf y un “Cobra Kai” recuperado desde Corea del Sur con los sensei Kreese y Da-eun y Tory en su equipo femenino.

 

Los primeros combates en la ciudad condal dejan al Miyagi Do al borde de la eliminación por sus constantes despistes, las heridas mal cerradas y el gran nivel que muestran los rivales. Lawrence y LaRusso tienen muchos problemas para motivas a los suyos, tanto como para superar sus propios problemas (Daniel por los descubrimientos que hace de Miyagi y Johnny por su retorno a USA por el parto de su mujer).

 

Ya a la vuelta de sus menesteres y con un Daniel reforzado al descubrir parte de la historia del Sr. Miyagi y que, detrás del dojo de los “Iron Dragons” hay un viejo enemigo, Terry Silver, las capitanes de los cuatro mejores dojo del campeonato debe enfrentarse en el Torneo de Campeones aunque al final acaba pasando algo que obliga a la organización a dar por finalizado el Sekai Taikai.

 

Lawrence y LaRusso en el Sekai Taikai

Tiempo después, y con los chicos aceptando lo sucedido en Barcelona mientras enfocan su futuro en sus respectivas universidades, aunque la historia no puede acabar así y en un acto imprevisto de Silver, todos los sensei que quedan aceptan finalizar el Sekai Taikai en el Valle.

 

Al final, se reanuda el torneo, con Cobra Kai participando solo para la final femenina con Tory y con unos “Iron Dragons” claramente superiores a los Miyagi Do, aunque, tras una contundente sorpresa, los Miyagi se retiran uniéndose a los Cobra Kai quienes cuentan con un nuevo sensei, Johnny Lawrence.

 

¿Quién gana el Sekai Taikai? Pues aunque no os los diremos, lo que os diremos que, al final se hace justicia y todos, tienen lo que se merecen, unos una derrota y otros, una más que merecida victoria.

 

De esta sexta y última temporada de “Cobra Kai” lo que más nos ha sorprendido y gustado ha sido el conjunto de enseñanzas sobre el crecimiento personal, el perdón, la reconciliación y sobre todo, la evolución de sus personajes principales.

 

La temporada y por ende, la serie acaba con más de tres décadas de rivalidad entre Daniel LaRusso y Johnny Lawrence con ambos colaborando y remando juntos como senseis. Una unión que demuestra la importancia de superar diferencias y trabajar conjuntamente por un objetivo común. Como decimos muchas veces, las diferencias suman.

 

Otra de las grandes cosas que nos enseñan en “Cobra Kai” es la importancia de buscar un equilibro entre la empatía, la defensa y la agresividad, muy importante tanto para un dojo, como para enfrentarse a la vida cotidiana.

 

Interpretativamente hablando, en esta ocasión no vamos a resaltar el trabajo de ninguno de los interpretes ya que, lo más remarcable de su trabajo cómo nos muestran el cambio que sufren ambos protagonistas, dejando de estar aferrados al pasado, madurando y creciendo como personas y como maestros. En cuanto a los jóvenes, aunque a veces parece que van a seguir los errores de sus mentores, nos demuestran que se puede luchar, pero también curar mientras se superan las inseguridades y se confía en los demás.

 

No os vamos a engañar, vamos a echar de menos a “Cobra Kai”, aunque tampoco creemos que sea necesario estirar más el chicle.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta sexta temporada de “Cobra Kai” es de un 8 sobre 10.

 

 

 

 

Título original: “Cobra Kai” – 2021 – USA

Año de creación: 2018

Año de finalización: 2025 (sexta temporada)

Duración: 65 capítulos (de unos 30 minutos cada uno)

Los dos hemisferios de Lucca

Si en la sociedad actual hay una cosa que acostumbra a quedar en la sombra es el mundo de las enfermedades raras, un mundo donde, a pesar de su baja incidencia (por eso lo del apelativo de “raras”) tiene un impacto brutal y devastador en quienes las padecen y sobre todo, a sus seres queridos.

Y ya os podéis imaginar que, si por suerte, afecta a tan poca gente, que esto se refleje en el universo del cine ya es algo realmente excepcional, aunque todos tengamos en mente dramas como “Wonder” o biopics como “La teoría del todo” o incluso, producciones más pequeñas como “Handia”.

A comienzos de 2025, y adaptando la novela de Bárbara Anderson ha llegado al catálogo de Netflix, directamente desde México una película que no solo nos relata el desconcierto de enfrentarse a un diagnóstico incierto, sino que también la lucha diaria de una familia que se ve empujada a convivir con la falta de respuestas. Os estamos hablando de la película “Los dos hemisferios de Lucca”.

“Los dos hemisferios de Lucca” empieza con un pequeño flashback unos años atrás, donde nos encontramos con Andrés (Juan Pablo Medina) y Bárbara (interpretada por Bárbara Mori) dirigiéndose al hospital ya que, Bárbara está de parto. Después de un accidentado parto, nace Lucca, un niño aparentemente sin problemas aunque muy pronto descubren que el pequeño sufre una parálisis cerebral lo cual le afectará a su desarrollo, tanto motor como cognitivo.

Aunque sin muchos recursos, Bárbara y Andrés se vuelcan, desde el comienzo, en darle a Lucca (a quien da vida Julián Tello) todos los tratamientos posibles (masajes, gimnasia acuática, etc.) para mejorar su calidad de vida, aunque ninguno parece funcionar.

Años después y ya con un hermanito en casa, con el que Lucca se lleva perfectamente bien, un nuevo desafío llega a la vida de la familia ya que, el pequeño Lucca empieza a tener convulsiones y ataques epilépticos cada vez más fuertes. Sus neurólogos no les dan mucha esperanza pero Bárbara no pierde la esperanza.

Un día, en una reunión de trabajo, Bárbara descubre que, en la India hay un tratamiento experimental que ha tenido cierto éxito con personas con parálisis cerebral. Ni corta ni perezosa, Bárbara se pone en contacto con el contacto que le pasan, quien después de estudiar el caso, le piden 50000 dólares para iniciar el tratamiento de Lucca.

Aunque por su situación no pueden afrontar tal cantidad, Andrés consigue rehipotecar su casa abriendo así la puerta al tratamiento, pero, todo se para ya que, según parece, desde la India no se puede usar la maquina Cytotron en niños.

Después de mucha lucha, mucho empeño y mucho trabajo de Bárbara, el doctor Kumar, el responsable del tratamiento en la India, acepta el tratamiento experimental, por tanto, toda la familia, coge el avión y cruza el mundo para someter al pequeño Lucca al tratamiento con el Cytotron.

Bárbara, Andrés y los pequeños de la familia

Ya en la India, y después de unas cuantas sesiones, el doctor Kumar (Danish Husain) se presenta al grupo entablando una buena relación con ellos. Más o menos a mitad del tratamiento, Lucca empieza a mostrar los primeros síntomas de mejora (sonríe, empieza a aguantar la cabeza, etc.). Al final del tratamiento, la familia recibe la noticia que, Lucca deberá volver como mínimo tres veces más realizar el tratamiento, con lo que eso supone económicamente.

Bárbara se ve con la obligación de sopesar la posibilidad de que Lucca se quede con los avances conseguidos en la primera sesión ya que, no puede conseguir la financiación para el resto de los tratamientos. Mientras lo valora, descubre que en México hay dos máquina de Cytotron bloqueadas por temas burocráticos por lo que, empieza una nueva lucha, en esta ocasión, para conseguir poder usarla en su país.

Finalmente, lo consigue en parte, pero, eso nos lo guardaremos celosamente.

Técnicamente “Los dos hemisferios de Lucca” nos ha sorprendido muy gratamente por el enfoque que Mariana Chenillo, su directora, le ha dado un enfoque sensible y realista aunque evitando caer en el melodrama más amarillista. El montaje de “Los dos hemisferios de Lucca” es realmente fluido, dando naturalidad a la historia que nos cuenta manteniendo en todo momento un ritmo constante aunque pausado lo que, acaba facilitándonos los tiempos necesarios para pensar.

También nos ha parecido muy remarcable el trabajo de ambientación haciendo creíble la historia tanto cuando esta se desarrolla en México como cuando lo hace en la India donde refleja a la perfección la diversidad cultural y las dificultades por las que pasa la familia cuando está allí.

Interpretativamente hablando nos gustaría resaltar el trabajo del pequeño protagonista, Julián Tello (interpretando a Lucca) con su trabajo auténtico y emotivo. También nos ha gustado Bárbara Mori dando vida a Bárbara, la madre de Lucca, una mujer luchadora, determinada y a la vez, vulnerable. Nuestra enhorabuena para todo el equipo de casting.

Resumiendo, “Los dos hemisferios de Lucca” nos ha parecido una buena película con una narrativa dura para reflejar de forma auténtica y emotiva la lucha de una familia para mejorar la calidad de vida de su pequeño.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Los dos hemisferios de Lucca” es de un 7 sobre 10.

 

 

 

Título: “Los dos hemisferios de Lucca” – México – 2025

Dirigida por: Mariana Chenillo

Duración: 96 minutos

Género: Drama